片中展示了厨房纸的错误用法。
情感价值 · 全部短评
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能做导演的都是狠人，在生活中剥削家人的情感，还把这场剥削放上荧幕，美名“艺术源于生活”。有花花肠子，也能循循善诱，能感同身受，也能置身事外。操控的是他，叙说的还是他。好一场父权大秀
最后那段姐妹之间的对话太动人了，“为什么有同样的父亲，但只有我长成了一个fucked up person而你好好的？” “因为我出生的时候已经有了你。”看到这里觉得其他角色都不重要了，电影里只剩下她们两个人🥹虽然在讲一个糟糕父亲的故事，但对塑造的人物又都有某种宽容，真实的人生就是这样的，没有爽文，没有全然割裂的爱恨，感情都交织在一起化作某种粘稠的东西。
导演父亲拿出剧本，认为只有女儿能演得出来。他自以为是献上了伟大的作品，对女儿来说却是最残忍的坦白。这证明了：你的痛苦我一直清楚，但清楚之后，我认为这份痛苦适合被加工成我的作品，而不是以父亲的身份抚慰你。女儿读着剧本哭了，她终于从白纸黑字里看懂了父亲。原来他甚至能用文字精准且细腻地描述那些困住她前半生的孤独与崩溃，可他袖手旁观。 最悲剧性的，就是电影没有让父亲单纯的成为一个反派。他说这剧本是为Nora写的。他可能真诚地认为，这是他能做到的，最为深沉的关注形式。他把在现实中未能给予的保护，转化成了他认为永恒的艺术。艺术成了他逃避现实责任、却又自我感动的神圣借口。 电影结尾没有让父亲忏悔，不给圆满结局，只是让Nora完成了那个剧本的演绎。这个选择很厉害，她不是原谅，而是拿回了诠释自己故事的权利。
当称职爹的方式虽然有很多种，但是指望拍电影来当好爹是万万不能的
你爹虽然离开15年，但最懂你的依然是你爹，你因为你爹一直这么难受，你爹又主动愿意跟你和解，那你俩最后不和解还等什么呢？用祖宅-家族史-非虚构角色-“替身”演员这一系列多重叠加可供丰富解读的概念链条，搭了个内核相当保守的故事，就挺无感的，那些电影业内部笑话也比较多余。
你的成长父亲从没参与，他是怎么做到仿佛亲历一切？你出生在祖母去世的房间，怎么延续她经受的酷刑？房子会喜欢热闹还是冷清，是怕痒还是害怕噪音？知道你的全部脆弱，甚至自杀的念头。就像那个有情感价值的花瓶，或者用来骗人的宜家圆凳。你至少看起来无恙，在你选择了结的时刻，听到了命运的敲门声。
4.5/5，"Look at you, you’re so goddamn angry. It’s so difficult to love someone who’s that angry." 台词写得太好了。举重若轻的一部，笑着笑着就哭了。在我人生很需要这种和解的鼓励的时候，这片子来到我的面前。
比导演之前的作品更现实复杂，但仍然观感流畅舒适，保持了他洞察subtle情感的能力，人物仍在困惑挣扎。在很多评论瞧不上“白人”痛苦轻薄的同时，我相信我们自己或者周围人或多或少都有这些时刻，像是现代人的病症。所以你好吗？我很好。但你真的好吗？这些纵向“家族”的纠葛，总让我想到伯格曼。
戛纳No.32｜好令人困惑的表达。我一直在试图解码影片中房子，电影与情感之间的相互关系。有那么几个时刻，它似乎在说房子将情感以物质现实的形式留存，而电影通过扮演与再创作产生新的情绪。前者禁锢，后者传递，我喜欢这种探讨。但还有很多时刻它像是一出庸俗的情节剧，人物以一种预期之内的方式崩溃，哭泣，相拥，和解。其实看的时候时不时会想到坠楼，相比之下，它就没有特里耶那种对情感与人性幽微时刻的精准捕捉。在《情感价值》中，建筑是建筑，电影是电影，情感是情感。
文本到了话痨的程度，有费里尼的影子，故事试图模仿伯格曼，但思辨能力太浅。最喜欢里面的影迷梗，既走心也走肾，比如男主角在十岁的外孙生日时，给他送上了《钢琴教师》《不可撤销》光碟，希望他借此了解女性，但家里没有碟片播放器，这看起来像是对电影人的贴脸讽刺，有科技发展带来的悲伤，也有对电影行业反思的温度。提尔的剧作才华横溢，代际创伤的讲述适可而止，情感的藤蔓只在房子内部蔓延，父女关系恰巧保持在狗血的界限之外，艺术成为衡量情感价值的度量衡。是一部真正把电影作为媒介的电影。
好看的，但不要细想。更不要和伯格曼比。 @Cannes2025_Bazin
好聪明。技术很棒。导演要一辈子拍父权之伟大吧。应该永远不会停。伯格曼拍了一部电影处理了他和父亲之前的关系，艺术家用自己的作品治疗自己是常识/常事。我宁愿导演拍的是父子关系、也许会更棒。非要拍女性，最最内核的地方没有对应上。
和一千五百人在14℃的雨中看完露天场。
这部电影没有结构和形态，也没有情感的焦点。 所有感情和关系都是讲给我们知道，而不是拍出来让我们感受到。譬如姐姐和妹妹拥抱的戏，我们理解却毫无波澜，因为她们此时说给彼此的远远大于我们所见的；父女关系也是，不展示问题实质；她的舞台恐惧、亲密关系的失败、以及自杀倾向，与父亲的联系只是文学性的联想而不在电影里。 对沟通失败的表现也很虚弱，即让人物重复：我们说不成话/ 我们得说话/ 莫名起身离开说我跟你说不了 须知不展示说话和展示无法说话是两回事。 故事不断在原地打转，像肥皂剧，可以在任何时候开始或任何地方结束；人物没有发展，我们只是慢慢习惯了角色，感到有责任关心他们，并非他们真做了什么让我们真正开始在意。 尽管意图很好且平易近人，关于拍电影的部分还是显得有些自恋。 黑场的剪切和音乐的使用都苦不堪言。
很丝滑地走完了一整套对抗与和解的旅程，家庭的纽带与裂痕、电影创作与存在焦虑、跨越代际的隐秘伤痛再次显影，可以想象若莫莱蒂拍会是怎样的简省、轻盈与幽默，提尔则完全走向反面，调用各种繁复技法为情感提供依据，直至全片陷入一种冗长的空洞的傲慢的忧伤，很紧绷的创作姿态。事实上，没有任何一种情感是浅薄的，故作深刻地赋予其“情感价值”只能暴露浅薄。
金棕榈的有力竞争者，比世糟也好不少。一对极其孤独的父女依靠电影艺术完成了相互拯救，而重要的是电影并非现实的机械还原，它模拟现实最终也要超越现实、反哺现实。在不断黑屏的断裂影像中，约阿希姆·提尔和演员共同创造了几个非常动人的角色，每个表情背后都有非常复杂的情愫
也许是《我的母亲》之后再一部坚定地站在演员这边的电影，证明了戏剧工作，“出演”和“重现”本身如何正视，袒露和解救濒危的个体，以及奄奄一息的家庭关系，即便这种危机本身恰恰是由于同样的工作引起。一个被代际创伤萦绕淹没的家宅，最终家中的每一位成员却都得益于“扮演”相互拯救，从而自我解救，因为戏剧正是以“入魔”来“驱魔”，以虚拟的相聚续写真实的空白，一种美丽但遗憾的矛盾体。而这一种珍贵的伦理观在范宁的角色上最大化地体现，一个演员尽力化身入戏后诚恳地承认失败，让出位置，而导演也坦然以对，却不将其视为一种失败：对真实的扮演者和戏剧中的角色双重的，饱满的肯定，这才是真正的sentimental value。
四星半。影片以对舞台充满惊恐的著名戏剧女演员诺拉抗拒表演为开场，而她所饰演的角色正是挪威剧作家易卜生代表作《玩偶之家》的女主角诺拉，这无形为她的人物状态成因埋下伏笔。抛弃女儿的导演父亲、崩溃边缘的戏剧女演员、心理充满疙瘩的主妇姐妹、渴望获得演技认可的好莱坞女明星，提尔用一个近乎伯格曼式的角色关系设置，来窥探心理创伤和嫉妒的异化体态。当地基出现裂缝，在倾覆前是永久性的惴惴不安。这样的比喻既属于角色间的情感关系，也是一个家族模样的具体写照。提尔在展示创作野心的同时，保持着很好的剧作趣味性，也对电影行业的颓败发出感叹。四位主演雷娜特·赖因斯夫、斯特兰·斯卡斯加德、艾丽·范宁、英加·伊布斯多特·莉莉亚斯的表演精彩纷呈。
温吞、保守又乏味，和伯格曼之间至少差了5个是枝裕和。很难想象21世纪都过去1/4了横扫影坛大奖的还是这种聚焦父女和解、“浪子回头”与用半自传性电影艺术来疗愈过往家庭创伤的自恋故事，拜托能别再霍霍元电影这个题材了吗……片子的有效信息量和情感深度低得可怕，视听语言更是无甚亮点，感觉就像从哪部古早家庭伦理剧里随便抽出来两三集似的。老戏骨斯特兰·斯卡斯加德演这种故事手到擒来，艾丽·范宁的表演很出彩。围绕自戕阴影及相互托举的姐妹关系的几场戏比主线动人不少，结尾一镜继续工整俗套地和稀泥。（6.5/10）