浪潮

年度遗珠，抛弃严肃沉重，拥抱轻浮而真切的影像，是现代电影的趋势。迷茫晕眩—疯狂危险—平静祥和，匀速旋转、高速摇镜、突出起来的侵入和逃离，镜头的运动逻辑是相似的，却依靠色调、音乐和剪辑的微小变化呈现出截然不同的影像氛围，每一帧都如同未经审慎的测试，是毫无畏惧的生涩与动人。对人物状态的把握极佳，哥哥的眼神是凶猛而涣散的，妹妹的眼神是柔软而坚定的。

流动的镜头、色彩、视角甚至画幅，这是流动的一切，无尽的浪潮。当画幅重回宽屏，竟打开了一个新信息时代的佛罗里达乐园。时代的潮涌褪去，留下的是家庭原生的裂缝，你不必奋力坚持，你大可随风而去。旋转狂魔，视听上比猴子走出更远，竟有些MV串烧。没有想到又是melodrama，没有想到又是夜色霓虹，私心满分。

沙尔茨一如即往用类型题材探讨家庭伦理话题。这次野心勃勃尝试青春成长类型，搭配络绎不绝的流行音乐响彻耳畔，使尽天旋地转的摄影技术和高饱和度的色彩，这都是近年来Instagram风盛行的结果。叙事方面更大胆破格地将两个主要人物的情节断裂为两种截然不同的节奏和风格，表面工夫做得相当充足，不过在挖掘人物内心情感却捉襟见肘。儿子部分尚好，女儿部分的处理太随意，难以将感情累积的份量推向宣泄与和解的高潮，光靠招牌式地变换画幅的实验花招是难以奏效的。

是色块的斑驳拼接？是音轨的交接乱砸？还是情绪的灵动呈现？似乎情绪不只是在画幅的细微变动中变化，画幅只是肉眼可见的“幌子”。是镜头的风格里的急剧变换、是音乐堆砌下的剪辑点、是摄影机中不断捕捉的感官语言。割裂开来的是两种截然不同的风格：快速的推拉镜头、定点旋转摇镜、呱噪侵入的配乐（狂躁糜乱的哥哥）；平稳推移而镜头、归于恬静的声乐（温柔淡然的妹妹）。惊喜的画幅伸缩转场之时的一次声效抽离是全片一次无声之处，是情绪的瞬时消弭，亦是风格的悄然改变...

D＋/ 前后两段的张力结构本是个很好的想法，但导演似乎有点在视听小聪明对人物固着状态的烘托中迷失了方向。单场戏或是单段内人物的情绪、人物之间的关系都是生动且鲜明的。但是一旦发生切换，这些离散团块间的联结就过于稀薄，就好像是仅仅被摆放着、就自然发生并导向某个共通概念了一样。由此看来影片似乎更像是在一个被预设但并未被描绘的“家庭”框架下展开的，缺乏更内在的情感核心来让人物突破被黏稠包裹的状态，因而无法促使各段落堆叠出共振效果。

一次形式的狂欢，不可否认创作者们在布景、打光和镜头运动等方面作出的尝试与努力，但大多数花哨的技巧（包括频繁的变换画幅比例）只是让电影看起来更酷，绝佳的视听效果之下，是否真的达到了预期效果还有待商榷。值得欣喜的是，迷幻的霓虹美学正在摆脱题材（科幻片、动作片、惊悚片）的限制，更多元化地融入到传统电影语言中，也更张扬地宣称自己的存在。

视听杂耍不稀罕，年轻脉动不稀罕，稀罕的是具备以上而丝毫不畏怯真实，于是和MV、和许多新作者都划清了界限。虚焦的核心命题（种族也有元素化讨论的意思）在肆意有效的视听“关照”下，反而化为一种不功利的自在之美。现代电影一定会越来越强调知觉，沙尔茨也一定会有炸裂的一天。

【A】本以为会是那种十分无趣的霓虹“长片”，没想到竟然是美国版「地久天长/阳光普照」，更何况其观感也远胜后两者。为何？因为相比老气横秋的《地久天长》《阳光普照》，《浪潮》在各种意义上都是属于「现代」的电影：在绚烂的技巧和风格下，层叠出眩晕的影像，并由此重新构建出属于「现代电影」的“真实”，摒弃那些刻意堆叠的悲悯。随着时间推移，画幅从上下两个方向将人物不断挤压，抹除他们的“舒适空间”，并在崩溃之后转变为“1.33:1”,人物被锁死在画面中央，无处可逃。叙述主体转移，该画幅则象征其封闭的内心。而后另一位少年闯入，将画面的封闭感打破，画幅也终于随之延伸，并在又一个《人类之子》式的车内绕旋镜头回到起点。用老话讲，其类别为「美国电影」，而非「好莱坞电影」。而连接这一切的灵魂，便是伟大的A24。