郊游

蔡明亮真是在检验影迷的电影观啊，很多长镜头都是缺设计和内涵的，但中间有段小康对着镜头吃盒饭，那可是戏剧电影捕捉不到的灵性啊。

不只是对人物和生活的凝视，摄影机用特写和远景剥离了最表层的日常状态，让演员彻底赤裸和袒露，更让空间在情境的作用下展现出令人动容的美感。最神奇的是，常态和变态依然能足够自洽地统一在“郊游”的主题下。生命就是一场荒芜的郊游，充满了无意义和“不准确”（蔡明亮映后所言）。最后一镜不仅在考验观众的耐心，更是用方法论和电影观对影像所能抵达之境做探索。喜欢这一次的尝试。#BJIFF9#

城市（克制）与荒原（本能）的势均对立，导致处于中段的空间的错乱与慌张，杀死那个高丽菜人之后，荣光一霎的郊游之旅跃变为气质绵延的碎片字词拼接，最后有幸目睹难得文明体验置换，从历史洪荒到超然梦境，是比《不散》生活性与幽深感更开阔的长镜头，或不是最好的蔡明亮，但一定值得供人瞻仰。//190417二刷，大荧幕上更随性地将目光深入人物中，故事性呼之欲出，但反而更觉那些安静的时间更值回味，尤其是最后一段，由观众观看人物、观看人物及其所观看之物，到观众观看人物所观看，观众视线始终未变，却能够与画面建立起休戚相关的关系，或许就是蔡明亮所说“凝视”之效。

作为艺术装置的话可以说非常适合在白空间展出了！城市的野狗以废墟为家，边缘的人在哭泣的房子里挣扎，停滞的时间把情绪无限放大，所有的无望都写在小康千沟万壑的脸上，“他哭，我也哭”。

四星半 拒绝了将观众卷入影像运动性漩涡的手段，不试图使观众浸入而是要达到相对静态的间离感受。于是观赏本片的唯一正确方法只能是银幕：与观众-电脑的互动方式相比，银幕-观众的互动带有更多的侵略性，排除一切浸染的不安以期得到更纯粹的观照。电影必需故事和动态的观点十分偏隘。蔡明亮并非是抛弃了观众，反而他是以更谦卑的姿态来进行直接的对话与交流。 （蔡导在映后谈说：“为什么不能更敏感一点？”）

这不仅仅是一次底层人民的城市漂泊之旅，在他愤怒的悲怆、暴戾的啃噬背后，是现代文明中“无用”之人的生活空间、生理和心理需求被肆意地切割并如腐肉般抛掷于荒废、边缘的城市空间里。“异化”的人还能够期待反抗和革命，能够将悲愤寄托于另一历史时空中的思想纲领。但“无用”是一种更绝望和封闭的个体经验。/这亦是一次能指功能的漂移之旅，城市公共物品、空间向私人化功能转移。/奇观空间感的构图很像当代实验艺术。/蔡明亮的拍摄观念值得考究，将演员置于真实现实中，而摄影机更像是一种现实的放大镜，让周围的真实人群第一次去注视演员（边缘人）的存在。影像的魅力：对庸常、琐碎、无用日常事件的聚焦，反而为其涂抹和赋予深层次的艺术内涵。

游动在艺术装置中的鬼魂，牵引起万物有灵的童话。食物拥有了视角，因此它们在被吃掉前要先被“杀死”，玻璃阻隔了空间，却在化作镜子时延展了世界；墙在流泪，人在流泪，神也在流泪；暗中有烛火，窗外有雨鸣，梦境的缝隙间掩埋着最深刻的现实主义

《郊游》的城市是一具不断褶皱的病态机体，由两种空间构成，其一是超级市场以及李康生手中的房地产广告立牌，指向了消费幻景与经济泡沫，与此同时，蔡明亮又呈现了增殖背后的里空间，一种“室内自然性”将废弃居所的大量空间与自然以及人类动物性的排泄混杂在一体，并在影片的最后一个镜头中以墙上的拙劣画作取代了以往“诗电影”的大远景或通往外部的景深透视。蔡明亮的影片并不关注于任何社会问题，所有的人物，空间来自于拼贴形成的中产家庭日常，却又形成了一种介于熟知与不熟知之间的uncanny。随着李康生口中的《满江红》以及对作为“家庭一员”的高丽菜的啃食，强度正在不断累积，日常逃逸为“郊游”———“郊区”被城市的内部褶皱所吞噬，又被“中心”不断生产；“吸入”与“吐出”则与李康生的两幕强度动作同态。

这是蔡拍给自己，小康以及自己的影迷看的电影。是他所有过往电影的续集，是他所有过往电影的终章。打电动的小康，卖灵骨塔的小康，卖手表的小康，演av的小康，都变成了此刻这个悲惨的带着孩子的中年人。这便是我们所知道的那个时代的结局。另，满江红也是我在家里难过时最爱唱的歌之一。。。